EL CUBISMO

Cubismo analítico o hermético (1909– 1912)

A MANERA DE INTRODUCCIÓN

A decir de los estudiosos, el primer movimiento artístico de las denominadas vanguardias históricas fue tan corto en el tiempo que apenas tuvo una década duración. El cubismo se inaugura en 1907 con las Señoritas de Avignon de Pablo Picasso y siete años después (con el comienzo de la I Guerra Mundial) el movimiento se considera agotado, aunque no es así con la trayectoria artística de sus principales representantes.

El término cubismo fue propuesto por Apollinaire en 1908 al reducir todo el movimiento a las particulares formas geométricas que caracterizan gran parte de las obras encuadradas en la corriente artística. Su libro Los pintores cubistas sigue siendo imprescindible a la hora de estudiar esta tendencia que fue pictórica, pero también escultórica.

Es considerado, el primer movimiento artístico de las vanguardias históricas y el que quiso “liberar” a las artes plásticas de su papel representativo. Una idea que no se entiende sin el avance de la fotografía y la popularidad creciente del cine mudo. A decir de los creadores de la época (no solo del cubismo), si estos inventos pueden captar la realidad tal cual es, el arte, por tanto, podría encaminarse por otros derroteros, ya que la representación de la realidad podría hacerse por medios alternativos. 

A esta irrupción tecnológica que desbarata la cosmovisión hasta entonces imperante se une el desarrollo de las técnicas del psicoanálisis con la definición del inconsciente.  Recordemos que El significado de los sueños de Freud se publica en el año 1900. Estas ideas que inauguran la psicología moderna con su descripción de un mundo oscuro, desconocido para la mente, pero vital para la persona, seducen a los artistas hacia la plasmación de otra dimensión de la realidad, más allá del mundo físico y tangible. Este extremo llegará a su apoteosis artística con el surrealismo y, de alguna manera u otra, permanece vigente durante buena parte del siglo XX. 

El CUBISMO ANALÍTICO O HERMÉTICO, SUS PRECURSORES, PABLO PICASO Y GEORGES BRAQUE EN BUSCA DEL NUEVO ARTE 

Fase temprana del cubismo practicada tanto por Braque como por Picasso entre 1908 y 1911 aproximadamente, caracterizada por el análisis estructural de las formas.

La preocupación fundamental de la pintura cubista es conseguir el equilibrio estructural del cuadro, considerado éste como espacio en el que se ordenan las formas. Apollinaire dijo que para comprender el Cubismo había que remontarse a Courbet, por su construcción objetiva de la realidad.

La exploración cubista pretendía superar las ideas del Impresionismo.

El Cubismo se opone a la vista parcial y, en oposición a la pintura que concibe el cuadro como una parte de la naturaleza, al modo en que miramos a través de una ventana. Esta nueva pintura analítica busca una formulación arquitectónica ordenada y de naturaleza abstracta que valga como una visión total de los objetos, elaborada a partir de sus elementos constructivos. No se pretende engañar, sino transcribir al pie de la letra la realidad.

Las obras de Picasso y Braque en este periodo estuvieron marcadas por un estilo austero al que se subordinaba la realidad en favor de la unidad estructural del cuadro. La técnica del facetado fue uno de sus principales recursos: consiste en representar el espacio por facetas, es decir, ofrecer una visión fragmentada por parcelas que se reúnen en el cuadro como en el fondo de un ojo facetado, nombre por el que se conoce al aparato óptico de los insectos. A partir del aspecto de las cosas, según se presenten desde distintos ángulos, se perfilaban los esquemas básicos del cuadro.

Características del cubismo analítico

Estos movimientos en el orden socio político se dejan ver en la economía con los primeros manifiestos, libros o panfletos que abonan el campo que llevará al Comunismo. El arte no podía ser ajeno a esos cambios. Por eso, lo primero que proponen los artistas del cubismo es una ruptura total con todo el pasado y aquí radica su primera característica. Pero no será la única. 

Entre 1909 y 1912, en distintas circunstancias y emplazamientos, Pablo Picasso y Georges Braque se embarcan en una serie de investigaciones y debates con el fin de explotar todas las posibilidades del arte. Con este análisis se pretendía romper con cualquier atisbo del pasado. Nace el denominado cubismo analítico, el cual se caracteriza por:

• Se lleva al máximo la descomposición en la representación, ya sean de objetos o de figuras humanas.
• Tiene una fuerte impronta intelectual. Por eso es tan difícil de asimilar por el gran público (incluso hoy en día) ya que apela, no a lo inconsciente, sino a lo racional. Cualquier indicador de sentimentalidad es apartado de la creación. En este sentido, son las técnicas, las matemáticas y un pretendido orden los que prevalecen.
• La figura humana pierde protagonismo y es rebajada a la condición de mero objeto, a la par que los contornos son tratados con una geometría feroz, como si estuvieran dibujados o plasmados con tiralíneas.
• El lienzo se llena de formas en aparente desorden en un afán rupturista que proponía otra observación de la realidad. Si los objetos son presentados en batiburrillo, el espectador tenía como misión “ordenar” en su mente el mensaje dado por el artista. En esta línea, podemos decir que el cubismo es el antecedente más remoto de la filosofía de la deconstrucción imperante a finales del siglo XX.
• Por esta razón, el espectador debe tomar protagonismo al tener que recomponer o reconocer esos objetos, la mayoría de la vida cotidiana, en su mente. El diálogo que ejerce la obra se torna, por tanto, mucho más intenso.
• Se ve una predilección por los colores grises, tierras, ocres o verdosos. El color de las obras se reduce a los ocres, pardos, grises, azules fuertes o los rosados de, por ejemplo, Las señoritas de Avignon. En la mente y espíritu de Picasso y Braque parecían que estos tonos eran los que más se aproximaban al lenguaje de la razón.
• El arte africano, sobre todo las máscaras de ídolos y dioses, comienzan a ser valoradas por su expresión “cortante” y significativas aristas. En la predilección por este gusto no estuvo solo, ya que el fauvismo también demostró un gusto especial por esta forma expresiva alejada, por entonces, de los estándares expresivos europeos.Se vuelve a la significación de los materiales, al continente como generador de sentidos.
• Los descubrimientos del psicoanálisis abonan el terreno para considerar la realidad de forma poliédrica. Los artistas del cubismo harían suya esta idea creando obras en las que se quería mostrar varios momentos a la vez.
• Los objetos representados (que pueden ser figuras humanas) parecen ser transparentes en un intento por mostrar, de forma plástica, “distintas realidades”.
• Aunque algunos artistas (el primer Picasso, por ejemplo) se rigen por un deseo de plasmar la realidad a base de impulsos, en líneas generales hay un gusto por el análisis, por la metodología, por seguir los fundamentos de la ciencia, por la austeridad…
• El arte pretendía, así, dinamitar las fronteras de los géneros, a la par que quería librarse de su papel imitador de la naturaleza.
• Nacen los papiers collés o collage, esto es, se mezclan materiales en la misma obra, ya que al óleo tradicional se insertan hules, plásticos, papeles o elementos varios de la vida cotidiana (metales, cucharillas, cuerdas...)
• En pintura, hay una predilección por objetos de la vida cotidiana que se presenta a la manera de los bodegones clásicos, pero fragmentados en descomposiciones planas prevaleciendo las líneas geométricas hasta llegar a acentuar las aristas tan del gusto de todos los artistas que integran el cubismo.
• En el ámbito de la escultura se asiste, por primera vez, al assemblage con materiales de distinta procedencia incluso entresacados de la vida cotidiana. En este sentido, podemos considerar la tendencia como la continuación de lospapiers collés de la pintura. 

 Las obras más importantes del cubismo o las más conocidas

Es difícil colocar aquí una lista con las pinturas o esculturas más representativas del movimiento, pero este no se puede entender sin la siguiente lista: Obras del cubismo de Pablo Picasso 

• Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso, el título que inaugura el movimiento.

• Conocido también es el Autorretrato de Picasso, del mismo año, custodiado en la Galería Nacional de Praga.

• Del período sintético es Naturaleza muerta con silla de rejilla, de 1912, en el que la técnica del collage llega al extremo al incorporar un hule plástico a la obra.

• El estanque de Horta, de 1909, es un claro ejemplo del cubismo analítico con un trazado de fuerte impronta geométrica en tonos ocres y verdes.

• En Bañista, realizado entre 1908 y 1909, aún se adivina la figura humana.  Lo mismo sucede con La mujer de la mandolina del mismo período.

• Más difícil de asimilar para el ojo humano es Retrato de Daniel-Herni Kahnweiler, de 1910, ya que el rostro, el torso y las manos han sido descompuestos en una serie de figuras geométricas con el color marrón como protagonista.

• Un claro ejemplo de los bodegones cubistas (con reminiscencias de Cezánne) es Frutero y calabaza del Museum of Modern Art de Nueva York.  En esta línea también tenemos Pan y frutero sobre una mesa.

• El gusto por poner distintos elementos en aparente desorden sin perspectivas y en plano es la característica principal de Violín “Jolie Eva” pintado en Ceret, en el verano de 1912.

• El ensamblaje propio de la escultura cubista se entiende con la serie Guitarras, creada en 1912.

Obras de Georges Braque siguiendo el cubismo

• Mano a mano con Picasso, la obra de Braque trata los mismos temas y, a veces, de forma paralela.  Esto es lo que sucede con Desnudo (Gran Bañista) ejecutado entre 1907 y 1908.

• En Paisaje de L’Estaque, de 1908, la naturaleza se ha reducido a una serie de formas geométricas en líneas verdosas y ocres propiciando la interrogación en el espectador.

• La referencia a Cézanne se encuentra en Jarro, botella y limón, de 1909.

• Y la experimentación con las mezclas y el collage llega a su máximo en Aria de Bach,cuadro ejecutado entre 1912 y 1913. 

PAÍS DE MAYOR IMPACTO:

El cubismo tuvo como centro neurálgico la ciudad de París, Francia.

EL CUBISMO SINTÉTICO

El Cubismo sintético se desarrolló en vísperas de la I Guerra Mundial, al trasponer los elementos del collage a la pintura al óleo. Esta síntesis trata de ligar la diversidad contradictoria de los planos analíticos en una unidad que supere todas estas antinomias. En palabras de Kahnweiler, en lugar de imitar, incluso parcialmente, las formas, en lugar de dar varios aspectos del mismo objeto, se inventaba una forma que sintetizaba el objeto en cuestión.

El artista más destacado entre quienes practican el Cubismo sintético es Juan Gris, que se estableció en París imitando el estilo geométrico de Picasso.

Juan Gris. Guitare et journal

CARACTERÌSITCAS DEL CUBISMO SINTÉTICO

• Una vuelta al color. Se abandonan las paletas de ocre y grises para centrarse en toda la gama cromática.

• Las formas no se presentan tan marcadas desde el punto de vista geométrico llegando incluso a desdibujarse sin confundirse con la abstracción. Aunque hay preferencia por las  estructuradas en ángulo, comienzan a utilizarse también las líneas curvas.

• Nacen obras con un marcado intento de burlar el ojo del espectador utilizando técnicas de trampantojos o collages vanguardistas con materiales diversos.

• Eso propició un debate sobre lo real frente a lo inventado (que aún perdura en algunos sentidos).

• Paralelamente al nacimiento del libro de artista de vanguardia, con los Libros de Diálogo mano a mano entre poetas y creadores plásticos, la tipografía entra en los cuadros, así como las frases sueltas o palabras aquí y allá que se unían en un todo para crear un sentido ambivalente.

• Si en la primera etapa, la analítica o hermética, se vuelve a retomar el sentido de la perspectiva del Renacimiento, ahora se da un paso más allá al utilizar el mágico número áureo en algunas creaciones.

• En definitiva, en esta etapa, al entrar nuevos pintores y creadores, el movimiento se hizo más heterogéneo y más dinámico al incorporar la particular visión de cada uno de los artistas.

• Eso propició que cada uno de ellos hiciera valer sus particulares  sellos de identidad. Duchamp, por poner un ejemplo, se afanó por captar el movimiento. Leger fue uno de los primeros que vio la posible alienación humana debido al avance de las máquinas (los coches y los artilugios comienzan a inundar las calles). 

ANÁLISIS DE LA OBRA:

 en la etapa del cubismo analítico fue marcada por las obras de Picasso y Braque, se caracterizó por un estilo austero con sus colores opacos, verdosos y ocre.  Usaron la a técnica del facetado como  uno de sus principales recursos: A partir del aspecto de las cosas, según se presenten desde distintos ángulos, se perfilaban los esquemas básicos del cuadro, esta etapa marca una etapa muy diferente a lo que se habìa concebido como arte, por lo que fué muy rechazada y poco comprendida.

La siguiente etapa del cubismo fue mucho mas colorida con muchos mas exponentes,  en el cubismo hay que entender el contexto histórico para tener una mejor apreciación sobre el mismo.

El romper los paradigmas es un acto necesario, que debería inalienable al ser humano. el derecho de expresión y de mostrarse habla de la libertad que como habitantes del planeta somos acreedores. 

Todo cambio representa una revolución en términos de la imposibilidad que surge de algunas corrientes  de percibir el arte de otra manera y de negar lo nuevo. 
Lo valioso es defender lo suyo, y no temer ante las propias convicciones, de esta manera el cambio fructifica y tiene un desenlace que toma rutas diferentes propiciando nuevas tendencias que siguen influenciando nuestra era.